Le deuxième acte s'ouvre probablement sur un décor similaire à celui du premier acte, mais avec des éléments symbolisant le passage du temps et l'escalade des tensions. Les remparts, les armes et les préparatifs de guerre deviennent plus visibles, rappelant l'inévitable conflit à venir.

 

Ces éléments ont été évoqués dans l'acte I, notamment à travers les discussions sur la guerre et la paix. Leur valeur symbolique réside dans la représentation de la menace croissante et de la préparation inéluctable à la guerre.

 

Le lien thématique entre ces trois scènes est la progression vers la guerre et les tentatives désespérées de trouver des solutions ou de comprendre les motivations des personnages. Chaque fin de scène montre une escalade des tensions et des incompréhensions entre les personnages, renforçant l'idée de fatalité.

 

Les éléments qui relient ces trois scènes à l'acte I incluent les discussions sur la guerre, les prophéties de Cassandre, les tentatives de négociation et les dilemmes moraux des personnages. Les mêmes thèmes de fatalité, de responsabilité et de conflit personnel sont explorés de manière plus intense.

 

Oui, ces trois scènes font progresser l'action en montrant l'intensification des conflits et des débats sur la guerre. Les scènes 2 et 3 apportent des précisions sur les motivations de Pâris, les doutes d'Hélène, et les réactions des autres personnages, ce qui les relie directement à l'action principale.

 

Hélène adopte une attitude protectrice et bienveillante avec Troïlus. Elle montre des sentiments de tendresse et de nostalgie, révélant une facette plus maternelle et sensible de son caractère. Elle apparaît moins comme un simple objet de désir et plus comme une femme complexe et humaine.

 

Hélène utilise des métaphores et des descriptions poétiques pour exprimer sa vision du monde. Ces visions « colorées » reflètent son besoin d’évasion et de beauté face à la dure réalité de la guerre. Elles montrent son inclination pour la rêverie et son détachement partiel des conflits terrestres.

 

Les répliques de Troïlus sont souvent répétitives et naïves, ce qui souligne son innocence et sa jeunesse. Il est pris dans les contradictions de vouloir être un guerrier tout en cherchant l’approbation et l’amour des siens. La dernière réplique d’Hélène dans la scène 1, souvent empreinte de mélancolie ou d’ironie, reflète son ambivalence et son désespoir face à la situation.

 

Pâris se moque de Troïlus en soulignant son innocence et son manque d’expérience. Il utilise des sarcasmes et des comparaisons dévalorisantes. En jouant ce rôle, Pâris tente de s'affirmer comme un modèle de virilité et de courage, mais il finit par révéler ses propres faiblesses et contradictions. Il perd la partie en montrant son incapacité à comprendre la véritable nature du courage et de l’honneur.

 

Demokos joue le rôle du poète et de l'artiste, utilisant son art pour commenter et critiquer la situation. L'allusion anachronique pourrait être à un art moderne ou à une forme de critique sociale contemporaine, ce qui crée un effet de décalage et d'ironie, soulignant la distance entre les idéaux artistiques et la réalité brutale de la guerre.

 

Les traits comiques de la scène 3 incluent les jeux de mots, les situations absurdes et les caractères exagérés. Cependant, il y a une menace latente dans la mesure où ces moments comiques se déroulent dans un contexte de tension et de préparation à la guerre, ce qui ajoute une couche de tragédie et d'ironie.

Troïlus incarne l'adolescence par son innocence, sa naïveté et son désir de prouver sa valeur. Sa pureté se manifeste dans ses intentions sincères et son manque de cynisme.

 

Troïlus représente l'innocence sacrifiée sur l'autel de la guerre et des ambitions adultes, ajoutant une dimension tragique à son personnage.

 

Les réactions des trois personnages masculins (Pâris, Troïlus et Hector) varient de la moquerie à la naïveté en passant par la frustration. L’intention de l’auteur semble être de montrer la complexité des réactions humaines face à la guerre et de critiquer les postures masculines traditionnelles de bravoure et d’honneur.

 

Giraudoux fait allusion à une conception de la création artistique qui est critique et réfléchie, utilisant l’art comme un moyen de commenter et de questionner la réalité. Cette conception oppose l’art comme évasion à l’art comme réflexion sur la condition humaine.

 

Le ton badin de ces trois scènes peut sembler affaiblir le sens tragique de la pièce à première vue, mais en réalité, il sert à souligner l'absurdité de la guerre et la fragilité des espoirs humains. Cette légèreté apparente renforce le contraste avec la gravité de la situation, accentuant ainsi l’ironie tragique et la profondeur de la pièce.